El que los colores sean precisos es muy importante en una fotografía profesional, tanto así que es necesario utilizar herramientas de calibración del color tanto en nuestras fotografías como en los monitores en las que las observamos y también en nuestros impresores, todo para obtener una representación real de los colores.
Sin embargo, existen esas ocasiones en las que deseamos algo más artístico, que se vea mejor y en ocasiones algo más elegante, entonces podemos utilizar el blanco y negro.
Todas las cámaras digitales actuales traen la opción de tomar las fotos en monocromo, sin embargo sus resultados no son muy impactantes. Además, como lo he mencionado anteriormente, es preferible usar el formato RAW al tomar fotos ya que la cámara al realizar solo ajustes mínimos en este formato, se pueden obtener más detalles en las fotografías cuando son procesadas a través de un software adecuado.
Sobre cómo convertir una foto a B&N existen muchas opciones y formas de tratamiento, este blog no lo escribo con la finalidad de enseñar las formas de cómo hacerlo, sino con la finalidad de que aprendamos a reconocer una buena fotografía, en este caso en B&N. Para los que les interese saber sobre diferentes formas de tratamiento aquí les dejo un enlace con información muy completa.
Para que reconozcamos como un buen tratamiento vía software puede lograr una foto en B&N mucho mejor que solo utilizando la función de monocromo de la cámara, veremos un ejemplo sencillo de cómo lograrlo, vamos a utilizar en este procesamiento el software de Adobe, el Lightroom, que es la herramienta principal en fotografía profesional. Sin embargo este proceso puede ser aplicado con la mayoría de software gratuito o de bajo costo que se encuentran en el mercado.
Veamos la siguiente fotografía convirtiéndola a B&N usando las herramientas de Lightroom:
Así es la foto que se nos presenta al solo hacer click en la pestaña B&W de Lightroom,
Sin embargo cada uno de los colores que la forman, responden diferente al filtro blanco y negro del software, aquí podemos ver como los sliders de cada color se presentan de una manera estándar:
Para mejorar la respuesta de los colores podemos hacer ajustes a cada uno, moviendo el slider a diferentes puntos según sea cada caso y, por ejemplo, con el siguiente ajuste podemos obtener una fotografía como la que muestro a continuación.
Aquí podemos ver como los diferentes tonos oscuros se ven con mejores resultados y podemos ver que la foto se aprecia con más detalles, tenemos un cielo mas enriquecido, una buena definición de tonos en lo que era el verde de la grama y con un aspecto más llamativo y rico en general.
En cada foto que tomemos, los resultados serán diferentes por lo que debemos “jugar” con cada color hasta obtener un aspecto que nos complazca. Yo sugiero comenzar con los colores primarios rojo, verde y azul y luego continuar con el resto de colores que estén presentes en nuestra foto.
En fotografía industrial es muy utilizada la técnica del Blanco y Negro para dar mayor interés a la composición que en color podría resultar un poco aburrida o sin interés.
En la próxima veremos más sobre el tema de La Composición.
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Hoy Hablaremos de la profundidad de campo en nuestras fotografías.
La profundidad de campo en una fotografía se define como la zona en la fotografía en la cual tenemos una imagen bien enfocada y todos los objetos que la componen se ven definidos y no borrosos. Aquellos objetos que estén afuera de esta zona se verán borrosos. Esto tiene diferentes utilidades, principalmente estéticas pues nos sirve para eliminar elementos distractores en nuestras fotos y enfatizar nuestro sujeto, o para crear fondos creativos. No es mi intención en esta entrada hacer una amplia definición de el tema por lo que pueden encontrar más información sobre esto en el siguiente enlace.
El tener una profundidad de campo adecuada (o mejor dicho correcta) en nuestras fotografías de arquitectura (tanto interiores como exteriores) es muy importante pues es nuestro objetivo presentar muy bien todos los elementos que componen nuestra toma, de tal forma que nuestro cliente pueda valorar adecuadamente cada componente. Aquí no cabe la idea de crear un desenfoque creativo en nuestras fotos. En lugares en los que tenemos grandes distancias de profundidad hay que tener ciertas consideraciones al tomar la foto para lograr que todos los componentes a diferentes distancias aparezcan bien enfocados.
Como vieron en el enlace, la profundidad de campo depende principalmente de tres factores: La longitud focal, la apertura y la distancia del sujeto.
Para los lectores más nuevos aquí les dejo un artículo sobre la clasificación de los lentes en base a su distancia focal.
Generalmente en fotografía de arquitectura, los lentes más utilizados son los lentes gran angular cuyas distancias focales varían desde los 10 mm hasta unos 35 mm. También las aperturas varían dependiendo de la luminosidad de diseño del lente.
Muy importante: no todos los lentes tienen la misma resolución a diferentes aperturas. Generalmente se habla de que ofrecen una mejor nitidez en el medio de su rango de apertura. Por ejemplo, si tenemos un lente cuyas aperturas varían entre f3.5 y f22 la apertura que se encuentra en medio de ese rango sería la de F9 a la cual esperamos que se tenga la mayor nitidez. Sin embargo yo aconsejo que hagamos fotografías a diferentes aperturas y evaluemos, para nuestro lente en particular, que apertura es la que nos ofrece la mejor nitidez, siempre andará por un valor cercano a la apertura media del diafragma.
Y para entender mejor como se suma a esto la distancia, veremos un infográfico que a continuación les comparto, de un enlace de un sitio web muy bueno sobre fotografía, en el cual podremos visualizar cuales son los ajustes que más nos conviene utilizar para nuestro caso en particular.
En el infográfico veremos la profundidad adecuada o nítida como una zona roja en el piso de los sujetos. Para simplificar las cosas veamos solo a nuestro amigo que aparece de camisa roja, pues es el tipo que al final utiliza un lente gran angular. En el dibujo superior veremos que a una distancia de 10 metros, con un lente de 70 mm a un f2.8, se obtiene un buena profundidad de campo de unos 4 metros; Si el sujeto se acerca a la cámara (a 1 mt de distancia) y cerramos el lente a un f8 tendremos una profundidad de campo bien reducida de menos de un metro. En el tercer dibujo el amigo a cambiado a un lente de 28mm, siempre a un f8 de apertura pero el sujeto se encuentra de nuevo a 10 metros, como vemos la profundidad de campo se ha ampliado a mas de 18 metros (desde unos 2 metros de la cámara hasta el infinito).
En resumen, utilizando un lente gran angular, a una apertura promedio (según sea el lente) y si enfocamos cuando menos a una distancia más allá de la distancia media de nuestro espacio a fotografiar, obtendremos la mejor profundidad de campo y todos los objetos que sean parte de nuestra composición se verán bien enfocados.
Si les gustan estos consejos favor denle like en los diferentes enlaces de redes sociales que aparecen arriba.
La próxima semana veremos fotografías en Blanco y Negro. Saludos!
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Hoy vamos a tocar un tema muy importante en fotografía, principalmente de interiores, que es la fotografía con luz artificial.
Como ya hemos visto en entradas anteriores del blog la luz artificial es la generada por una fuente de energía, principalmente eléctrica, y es un tipo de luz que podemos modificar a nuestro antojo.
Recordemos ahora las características de la luz que nos interesan y son las que podemos modificar: Intensidad, Dirección, Calidad y Color.
Ahora bien, cuando hablamos de luces interiores en edificios o viviendas nos encontramos con una iluminación que relativamente es fija, ya ha sido instalada en base a un diseño durante la edificación y seguramente no es en un 100% la más adecuada, generalmente influyen factores económicos a la hora de instalarla y no se logra como el diseñador o arquitecto lo concibió (aunque en ocasiones la iluminación es muy precisa y adecuada en edificaciones de alto valor o en lugares de trabajo donde la iluminación debe cumplir un estándar).
Si al punto anterior le sumamos a nuestro amigo el Rango Dinámico de nuestras cámaras, tendremos una situación que puede llegar a ser complicada pues tendremos en nuestra fotografía luces que no tienen la intensidad necesaria, no podemos modificar su dirección, su calidad generalmente será de una dureza alta y el color estará definido por la fuente luminosa.
Entonces veamos qué podemos hacer para obtener una buena fotografía y de una alta calidad.
Lo primero que debemos recordar y lo vimos en la entrada anterior es que debemos exponer a las luces que tenemos en el lugar. ¿Qué significa esto? Que deberemos hacer una medición de la intensidad de la luz que tenemos (ya sea por medio de un medidor de luces o “flashmeter” o por medios manuales) y debemos lograr que las luces ambientes se vean correctamente en la fotografía, que no se vean sobreexpuestas o “quemadas”. Al hacer esto veremos que varias zonas en nuestra fotografía se verán oscuras aquí viene una disyuntiva entre fotógrafos de interiores pues para evitar esto algunos prefieren apagar las luces interiores y tomar las fotografías a una hora en la que la iluminación natural pueda ser la única fuente. En mi humilde opinión esto le resta valor a la fotografía pues elimina una parte importante de los interiores que pueden realzar la belleza del diseño.
Si queremos seguir adelante y tomar la foto con las luces de interior encendidas, deberemos buscar una fuente adicional de iluminación y aquí es donde entra la herramienta más importante del fotógrafo: El Flash.
El flash debe de ser usado con discreción pues solo queremos dar esa luz de relleno que necesitamos para eliminar las zonas oscuras. Esta luz de relleno si es completamente modificable en cuanto a todas sus características y por lo tanto es (si eso es lo que deseamos) imperceptible en nuestra foto.
El flash más utilizado como luz de relleno en interiores es el de tipo zapata o Hotshoe Flash, el cual tiene una potencia adecuada y por sus dimensiones puede ser colocado casi en cualquier parte para lograr ese toque de iluminación donde lo deseemos.
Por otra parte dependiendo de las dimensiones de lo que vamos a iluminar, así es el tipo de luz a utilizar, algunos fotógrafos prefieren usar luces mas grandes si se va a iluminar algún espacio amplio y otros prefieren incluso llevar sus propias luces continuas (hasta reflectores!) dependiendo de lo creativo que queremos ser.
Más adelante iremos viendo varias técnicas ya aplicadas a casos específicos que podrán ampliarnos el tema.
En el próximo post veremos otra característica de las fotos muy importante que es la Profundidad de Campo.
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Hoy hablaremos de cómo hacer fotografías cuando solo contamos con la luz natural como iluminación y no contamos con luz adicional como flashes o luces continuas.
Ya hemos hablado en qué consiste la iluminación natural y en el post anterior vimos el punto del rango dinámico que nos limita la exposición correcta entre claros y oscuros que podemos captar con nuestra cámara.
En iluminación fotográfica en general, el tener una iluminación adecuada es fundamental. Como vimos en el post inicial de Iluminación, es fundamental poder modificar la luz para poder obtener esta iluminación adecuada. Las características de la luz que nos interesan y tratamos de modificar son:
· Intensidad (o Potencia)
· Dirección
· Calidad (Dura o Difusa)
· Color (también llamado Temperatura)
Cuando estamos en exteriores y queremos hacer un retrato de una persona podemos utilizar un par de técnicas para modificar la intensidad y la calidad; una es buscar un lugar con sombra que nos permita tener una iluminación mas atenuada, bajo algún follaje de un árbol o de alguna estructura, o podríamos usar un difusor (hay de varios tipos) para poder atenuar la luz a nuestro antojo.
Pero en el tema de la fotografía de arquitectura se nos vuelve compleja la situación pues no podemos buscar una atenuación de la luz (a no ser que nos encontremos en un día nublado que juegue a nuestro favor), la dirección y temperatura depende de la hora, y la calidad no la podemos modificar a nuestra conveniencia.
En este caso es cuando debemos conocer bien las características de la luz y tratar de adaptar nuestra fotografía a la luz con que contamos.
La principal consideración que debemos tomar es que dependiendo de la hora en que tomemos las fotografías así será la iluminación y esta variará constantemente. Yo no recomiendo que tomemos fotografías a cualquier hora del día. La luz de mejor calidad la obtenemos en las primeras horas de la mañana y al finalizar el día (vean La hora ideal para la Fotografía). En Fotografía Comercial esto es fundamental en el proceso de producción, fijar la hora en que tomaremos las fotografías.
En fotografía de exteriores, las mejores horas las tenemos entre 7 y 9 de la mañana o entre 4 y 5 de la tarde. Ya que la posición tangencial de los rayos solares tienen la característica de darnos una iluminación menos dura y sin embargo tener una dirección que nos permite un buen contraste entre claros y oscuros.
Luego viene tomar la decisión de que dirección de los rayos solares nos conviene más tener para que se vea adecuadamente iluminada la fachada. Si la fachada principal del edificio o casa da al norte (lo supondremos para este ejemplo) entonces los rayos de la mañana provendrán por la derecha, en cambio por la tarde los rayos incursionaran por la izquierda de la fachada. Aquí decidiremos a qué hora nos conviene más tomar la foto.
Si queremos ser más creativos podemos utilizar la hora azul o la hora dorada para nuestras fotografías, esto producirá unos cielos de azules más intensos o una iluminación más cálida según sea el caso.
Ahora bien, veamos el caso de la fotografía en interiores. Aquí es donde el rango dinámico de nuestra cámara juega en contra de nosotros, pues generalmente tendremos una ventana con más iluminación que en el espacio interior, creando una diferencia amplia en el rango dinámico y debemos ver como abordaremos este problema.
Las cámaras actuales tienen diferentes modos de evaluación de la iluminación ambiente, con alguno siempre podremos hacer una medición evaluativa de toda la luz presente y tratar de obtener una exposición lo más adecuada para toda la iluminación presente. Pero esto no es perfecto y siempre tendrá resultados no muy satisfactorios, alguna zona poco iluminada siempre saldrá subexpuesta y las zonas más iluminadas serán sobre expuestas.
Para corregir esto con una iluminación natural solo podemos recurrir a dos recursos: uno seria el esperar a tener una iluminación mas balanceada entre la luz que ingresa del exterior y la luz presente en el interior, esto acorta el rango dinámico y permite al sensor de la cámara poder captar una iluminación mas pareja entre el exterior y el interior, para determinar esta hora deberemos hacer una observación del comportamiento de la luz según la posición del sol y tratar de determinar el momento justo, esto por supuesto requiere de cierta experiencia.
El segundo recurso sería el tratamiento por software digital, lo que hacemos es tomar varias fotos y en cada una exponer adecuadamente cada zona, para luego por medio del software unir en una sola fotografía todas las exposiciones. Esta técnica requiere un buen conocimiento de cómo tomar las fotografías de tal manera que se pueda hacer una unión sin errores posteriormente en nuestro ordenador. Y por supuesto tener la suficiente experticia en el manejo de los software de edición.
La próxima semana hablaremos sobre cómo tomar fotografías con luz artificial.
]]>Se conoce con el término de “Rango Dinámico”, y es una característica en todas las cámaras digitales actuales que es importante conocer. Trataremos de explicarlo en palabras sencillas.
Como sabrán existen cámaras de todo tipo en el mercado actual, las hay con funciones automáticas o semi automáticas con las cuales solo presionamos un botón y capturamos la foto (en inglés se les conoce con el término “point and shoot”, apunte y dispare) y hay cámaras que nos permiten tener funciones manuales y diferentes tipos de lentes para que podamos ser más creativos a la hora de fotografiar.
Cualquiera podría pensar “estamos hechos” con estas cámaras y podemos fotografiar como queramos; nada más alejado de la realidad.
El principal problema (y muchos lo habremos notado al ver las fotografías que tomamos) es la diferencia entre lo que nosotros vemos con nuestros ojos y lo que captan nuestras cámaras y nos muestran en el monitor. Cuantas veces no nos hemos desilusionado cuando al tomar una foto (principalmente en interiores) obtenemos una imagen clara en algunas partes y completamente oscura en otras y no hallamos que hacer.
Bien, lo principal para un buen fotógrafo es conocer las limitaciones de nuestros equipos y saber cómo sobrellevarlas.
Nada de lo que hace el hombre se iguala a las maravillas de la naturaleza y la inteligencia de su creador. El ojo humano es uno de los órganos más complejos y producto de miles de años de evolución que lo han hecho una herramienta magnifica para capturar la luz. Cuando nosotros entramos a algún lugar oscuro, pero iluminado (como una casa o una iglesia) nosotros podemos observar con claridad las partes iluminadas y las oscuras gracias al balance de la luz que realizan nuestros conos y bastones en nuestros ojos y al proceso mental que realiza nuestro cerebro. Hasta el momento y con la tecnología actual no es posible para un sensor (el componente sensible a la luz en nuestra cámara y que sustituyó a las películas fotográficas de antes) capturar con suficiente claridad las partes claras y oscuras de la toma.
A esta diferencia que vemos entre las zonas oscuras y claras en una escena es a lo que se le conoce como el rango dinámico, y una fotografía en la que las zonas oscuras se pueden ver bien expuestas tanto como las zonas claras, se le conoce como una fotografía de alto rango dinámico (High Dinamic Range o HDR en ingles).
Como vemos en las fotografías anteriores, si tratamos con nuestra cámara de exponer adecuadamente las zonas iluminadas, veremos oscuras o bajo expuestas las zonas menos iluminadas. Si tratamos de exponer adecuadamente las zonas oscuras y que se vean bien, las luces nos saldrán sobre expuestas o muy claras.
Para solventar lo anterior tenemos que hacer uso de alguno de los siguientes elementos:
· Cámaras con alto rango dinámico, que son costosas, siempre tendrán limitaciones y por requerir sensores más grandes serán voluminosas.
· Programas de edición fotográfica.
· Mezcla de exposiciones (con programas de edición digital).
· Iluminar la escena para poder tener el mismo rango dinámico que posea nuestra cámara.
· Buscar una hora con una iluminación más homogénea.
Como verán aquí entra el punto de la iluminación que es el tema que estamos tratando en nuestro blog actualmente.
Ahora que ya hemos planteado este tema del rango dinámico, la próxima semana veremos un poco de cómo fotografiar con luz natural y con luz artificial.
]]>En fotografía, hablar de Iluminación implica conocer y dominar todas sus características, desde conocer su naturaleza hasta conocer las maneras de cómo modificarla. Entonces, como podrán prever es un trabajo muy complejo e interminable, y que incluso algunos de los grandes maestros estudiaron y trataron de dominar en el curso de sus vidas sin llegar a terminarlo completamente.
Tan complejo es el tema que incluso el término Iluminación se define como el acto de iluminar. (¿?). Saltamos de un término a otro sin definirlo en su totalidad.
En nuestro aprendizaje académico se nos enseñó que la luz es un tipo de energía llamada radiación electromagnética, que viaja a través del espacio en pequeños paquetes llamados fotones que carecen de masa. (¿?) Ya nos vamos complicando.
Incluso para los arquitectos y diseñadores de interiores, el término está muy diversificado y existen muchas clasificaciones según interminables puntos de vista. Hay quienes la clasifican como iluminación general, puntual, artificial, directa, semi directa. Otros la clasifican en decorativa, de realce, local, etc.
Pero gracias a Dios hay un par de términos en los cuales todos estamos de acuerdo y será la base para la entrada del día de hoy en este blog, y las cuales nos permitirán también definirla: La Iluminación se clasifica en Iluminación Natural e Iluminación Artificial.
Iluminación natural: Es la iluminación que se logra haciendo uso de los astros naturales como el Sol y la Luna. Esta Iluminación la tenemos de manera directa en los exteriores, y en interiores generalmente se logra a través de ventanas y aberturas en los edificios o viviendas que permiten el ingreso de los haces de luz logrando el confort visual. Para lograrla de manera adecuada, es necesario tomar muchas consideraciones como es el movimiento y posición del sol, superficies reflejantes sobre las que se proyectará y el uso de difusores.
Iluminación artificial: Es la iluminación que se logra haciendo uso de fuentes eléctricas ya sea de energía continua o intermitente. El tamaño y tipo de fuente nos permite dar características a lo que estamos iluminando impartiéndoles un carácter o una utilidad determinada. Como este tipo de iluminación es flexible, nos permite manipularla a nuestro antojo, por medio de una serie de fuentes y modificadores.
Aunque no lo parezca, tanto diseñadores como fotógrafos aplicamos las definiciones anteriores en nuestro trabajo. Al leerlas un diseñador creerá que hablamos de ventanas, paredes, lámparas o tipos de bombillas, y un fotógrafo verá difusores, rebotes, luces continuas, flashes o luces estroboscópicas. Todo esto es porque buscamos lograr el mismo efecto en nuestro trabajo.
Bien, como les comentaba al principio, este tema es amplio y complejo, y debemos verlo con tiempo, por lo que dejaré para la próxima semana como fotografiar en cada una de las dos iluminaciones mencionadas y las consideraciones que debemos tomar en cuenta.
Los espero en la continuación: Iluminación (segunda parte).
]]>Antes de comenzar quisiera hacer hincapié en algo muy importante referente a este blog y sus entradas. A pesar de que el objetivo principal es hacer ver a los profesionales relacionados con la arquitectura, construcción y bienes raíces de los aspectos que deben tomarse en cuenta al evaluar una fotografía y poder reconocer sus características esenciales, es también su otro objetivo el compartir conocimientos con todos los amantes de la fotografía, sean aficionados o profesionales, y motivarlos a aplicar los conceptos aquí vertidos. No hay nada más gratificante que hacer un paseo dentro o fuera de nuestro respectivo país, admirar la arquitectura del lugar y fotografiarla!
Pero volvamos a nuestro punto, y toquemos el tema de la corrección de la perspectiva. Veamos la siguiente fotografía sin correcciones:
Como podrán observar, la iglesia parece “desplomarse” hacia atrás debido a que sus aristas siguen una línea imaginaria (llamada punto de fuga) que pareciera juntarse en algún punto de la parte superior muy arriba del encuadre:
Ahora bien, en fotografía comercial esto no es aceptable, debido a que le resta solidez al edificio y no deja apreciar sus verdaderas dimensiones, ningún arquitecto o ingeniero quisiera ver disminuida de alguna manera las características de su diseño o construcción o que pudiera sugerir algún error en su diseño.
Una vez que se ha corregido la perspectiva, el edificio se verá de esta manera:
Como verán la estructura adquiere solidez, se puede apreciar correctamente sus dimensiones (vean que incluso las personas en la foto tienen su proporción correcta con respecto a la iglesia) y podemos percibir en nuestra mente la imagen correcta de cómo se ve en la realidad la estructura.
¿Por qué se da este fenómeno en las fotos y cómo podemos corregirlo?
En palabras sencillas, esto se da debido a la curvatura de los lentes utilizados en la fotografía, los cuales transmiten a la imagen esta curvatura, la cual se ve reflejada como una distorsión, lo cual es imposible evitar si no contamos con las herramientas adecuadas, es decir cámaras o lentes especializados diseñados para corregir estos errores. Por supuesto, en la era digital, y con el surgimiento de los software de edición fotográfica, es posible corregir estos casos, pero requiere el dominio técnico de éstos y además saber cómo capturar la foto para que esta pueda ser editada correctamente.
Como nota curiosa, nuestros ojos también están formados por lentes curvos como los de la cámara, dando como resultado la misma distorsión, pero nuestro cerebro es tan maravilloso que éste corrige la distorsión, por lo que cuando vemos un edificio alto con nuestros ojos no podemos percibir este error de la perspectiva. ¡Maravilloso!
Entre las herramientas físicas actuales para la corrección de la perspectiva tenemos los lentes Perspective Correction o los Tilt and Shift (cada fabricante les pone su nombre propio) los cuales basculan los grupos de lentes que lo conforman provocando una distorsión en la imagen la cual crea un plano paralelo entre el sensor de la cámara y la estructura fotografiada, eliminando la distorsión.
Similar efecto se logra con las cámaras técnicas, que antiguamente tenían una manga o fuelle que permitía bascular el lente, y que actualmente poseen mecanismos que logran que, con un lente normal, se pueda corregir esta perspectiva.
Por supuesto para los fotógrafos esto involucra una buena inversión pues sus costos son elevados.
Bueno los dejo y nos vemos en la próxima que hablaremos sobre la Iluminación.
]]>Adentro de las reglas de la perspectiva que nos permiten una composición interesante y más profesional tenemos los ángulos de la fotografía. Estos son: el normal, el picado, el contrapicado, el cenital y el nadir. Seguro que estarán interesados en saber de todos, mas adelante escribiré una entrada a este blog en el que hablaré de todos. Por esta vez trataré dos que se usan en la fotografía de Arquitectura como son el Picado y el Contrapicado.
Un ángulo es en fotografía, en palabras sencillas, la inclinación con respecto al suelo en el que orientamos nuestra cámara en el momento de tomar la fotografía, puede ser hacia arriba, hacia abajo o normal (o sea paralelo al nivel del suelo).
El ángulo Picado (o simplemente Picado) es cuando nosotros hacemos la toma hacia abajo, colocándonos desde una posición más alta que el sujeto o la escena que queremos fotografiar.
Como vemos en esta foto del fotógrafo Tomas Hawk, para capturar la escena de una escalera en caracol de una manera interesante, nos ubicamos en la parte alta de ésta y tomamos la foto hacia abajo. Con esta técnica logramos el efecto de profundidad por disminución, que normalmente no se logra en una foto normal. Técnica muy útil en interiores en los cuales queremos evidenciar los espacios verticales.
Su contrario es el ángulo Contrapicado que lo logramos cuando hacemos la toma hacia arriba, colocando la cámara en un nivel más bajo que el sujeto o estructura que queremos fotografiar.
Esta técnica es muy utilizada en exteriores, cuando queremos fotografiar un edificio muy alto y que se pudiera encontrar rodeado de otros edificios o estructuras que no deseamos incluirlas en el encuadre, ya que podemos aislar nuestro sujeto. También nos permite aumentar el tamaño de los edificios y dar un aire de superioridad.
Estas técnicas son muy útiles en fotografía artística y cuando queremos presentar una perspectiva diferente de las estructuras; ahora bien, si lo que deseamos es una representación fotográfica real de la arquitectura (interior o exterior) de la estructura, no hay nada mejor que el ángulo normal, lo que supone superar las dificultades técnicas de este tipo de fotografía, para mantener las aristas de los edificios completamente verticales, tal como el edificio está construido.
Esto lo veremos en la próxima entrada: Corrección de la Perspectiva.
photo credit: http://www.flickr.com/photos/thomashawk/497851367/ vía http://photopin.com http://creativecommons.org/licenses/by-nc/2.0/
photo credit: http://www.flickr.com/photos/thomashawk/43213643/ vía http://photopin.com http://creativecommons.org/licenses/by-nc/2.0/
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La Elevación, que en diseño arquitectónico es conocida como “alzado de las fachadas”, es en fotografía la vista de un edificio de frente o desde un lado. Generalmente referida a los puntos cardinales, se le puede llamar como Fachada Norte, Fachada Sur, etc. En dibujo es presentado como una representación plana de la fachada y en fotografía debe trabajarse de una manera que se puedan capturar en el medio bidimensional de la foto, todas las características tridimensionales de la estructura, mostrando todas las partes del edificio que se ven desde una dirección.
Como lo mencionaba anteriormente, para una mejor evaluación debe trabajarse con el Arquitecto y con los planos del diseño de la estructura, que es una parte muy importante para lograr una fotografía de calidad.
La Perspectiva es similar a su concepto en diseño arquitectónico y recrea la profundidad y la posición de los objetos en el encuadre, desde el punto de vista del observador. Es importante por lo tanto, incluir en el encuadre objetos/sujetos que ayuden al cerebro del espectador a asociar la altura y la profundidad de la estructura (por ejemplo personas o vehículos) pues el cerebro reconoce sus dimensiones.
En fotografía de interiores es muy importante analizar la composición y encontrar la geometría de su perspectiva para elegir el mejor ángulo para la toma. Un buen tip es buscar en las aristas las líneas convergentes (perspectiva cónica) que nos permitan obtener imágenes realistas y nos ayuden a determinar las dimensiones de la habitación. Para esto se necesitará el uso de lentes gran angulares que nos permitan captar la verdadera profundidad de la habitación. Si han leído mi blog, recordarán que les mencioné que en la fotografía de Interiores para uso comercial (es decir vender un inmueble) es muy importante que el consumidor perciba las verdaderas dimensiones de la habitación. Esta característica es muy difícil lograrla con cámaras con lente ya incorporado o con celulares, pues su óptica no está diseñada con este fin.
Próxima entrada: Picado y Contrapicado.
]]>Si, hay horas en las que las fotos nos saldrán mejor, y un fotógrafo profesional está obligado a conocerlas y dominarlas. ¿Porqué? Pues debido a que cuando queremos fotografiar sujetos de gran tamaño (como en el caso de la arquitectura), sujetos en exteriores (como retratos o eventos al aire libre) o simplemente no contamos con equipo de iluminación, entonces debemos hacer uso de la fuente de luz natural más grande (y gratis) que tenemos: El Sol. ¿A qué se debe que existan unas horas con mejor iluminación? La respuesta es, el día solar y las características de sus rayos.
La tierra, como todos sabemos hace un ciclo de rotación sobre su eje de 24 horas, que sin embargo los seres vivientes en su superficie no lo notamos, y lo percibimos debido al recorrido que hace el sol sobre el cielo de horizonte a horizonte dando lugar al día y la noche. En nuestro caso nos interesa el día solar. Debido a la curvatura normal de la tierra y su atmosfera, por su densidad en ciertos momentos, esta hace las funciones de un filtro de radiación, que permite el ingreso de rayos de solo cierta longitud de onda. Estos momentos son durante el amanecer y durante el atardecer. En los momentos justos cuando el sol se oculta o surge por el horizonte.
Todos hemos notado esos hermosos amaneceres y atardeceres dorados, y los cielos azules que se forman antes y después que el sol se encuentra abajo del horizonte (cuando no podemos verlo). Este comportamiento de la luz se transmite a los sujetos que queremos fotografiar con estas características de la luz.
La hora dorada. Como su nombre lo indica, este es el color de la luz que podemos observar por más o menos 45 minutos después que el sol ha comenzado a salir por el horizonte y por también 45 min antes de que se oculte por la tarde. Se debe al filtro que realiza la atmosfera de los rayos solares que son tangenciales durante este momento.
La hora azul. La hora más bella para fotografía de Arquitectura o de Paisaje, se da por unos escasos 25 a 30 min antes que el sol surja por el horizonte o inmediatamente después que se ha ocultado en él. Se deben al reflejo de los rayos solares sobre la atmosfera que rebotan hacia la superficie terrestre.
Estas son las mejores horas para exteriores, sin embargo todo depende de las características del edificio o paisaje que queramos fotografiar, o incluso de los requerimientos del cliente, por ejemplo, pocos saben que durante la Alemania nazi se acostumbraba tomar las fotos de los edificios alemanes del Tercer Reich a medio día, justo cuando la luz es más dura y da más contraste, lo cual resalta las características de las fachadas de cemento de la época. Impartiendo unas características más fuertes a éstos. Como les digo, todo a gusto del cliente.
Fotos durante el resto del día solar. En el caso de interiores y dependiendo de cómo el arquitecto utiliza la iluminación natural podemos tomar fotos durante el resto del día, sin embargo si las ventanas son muy grandes es aconsejable esperar que la iluminación interna y externa se equilibren y podamos realizar una mejor toma.
Para el caso de retratos de personas en exteriores, por ser un tema amplio, lo abarcaremos en otras entradas del blog más adelante.
La próxima semana veremos otras características como son la Elevación y la Perspectiva.
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Esta es una pregunta muy subjetiva de contestar (en apariencia) pero hay en realidad ciertas características que modernamente distinguen a una buena foto de arquitectura, algunas de estas características se aplican a todo tipo de fotografía pues se basan en las reglas de composición que ya se tienen establecidas. Sin embargo otras, si se aplican directamente a la fotografía de Arquitectura y de Interiores. Entonces, como se podrán haber dado cuenta, si existen factores que debemos buscar en las fotografías que nos permitan verificar si en realidad estamos viendo una foto profesional o una foto amateur o simplemente una instantánea sin mucho valor.
Veamos entonces cuales son estas características que deben tener las fotos. Algunas están intrínsecas en la fotografía en sí, otras son requerimientos al momento de ser tomadas y otras son de carácter de postproceso a la toma.
Cuando menos, una fotografía de arquitectura profesional debe cumplir los siguientes requisitos:
· Hora de tomar la foto
· Elevación y Perspectiva
· Picado y contrapicado
· Iluminación
· Rango Dinámico
· Profundidad de campo
· Color
· Composición.
Como estamos hablando de un trabajo muy inmerso en el campo artístico pueden haber muchos otros factores involucrados en la fotografía, sin embargo considero que estos son los esenciales que debe cumplir una buena fotografía de Arquitectura.
En este punto muchos se preguntaran, pero de que está hablando? De que se tratan cada una de estas características?
En próximas entradas del blog estaré hablando detalladamente de cada una de ellas, de cuales aplican antes de tomar la fotografía, cuales son en el momento de tomarla, y cuales se pueden tratar en el post proceso. En el mundo digital actual, toda fotografía puede ser retocada en el postproceso, sin embargo, tomando en cuenta la calidad del trabajo a entregar, lo ideal es que se logre la máxima calidad en el momento de la captura.
Como lo mencioné en la entrada del blog “Componentes de una fotografía profesional” de que estaríamos hablando de estos componentes, estemos pendientes del próximo post en el cual trataré el tema de cuál es la mejor hora para tomar una fotografía de Arquitectura (este aplica también para fotos de paisaje y retratos en exteriores).
]]>1. La fotografía de exteriores, llamada únicamente como fotografía de Arquitectura
2. La fotografía de interiores, muy asociada a bienes raíces.
Cada una tiene una tiene una composición que permite encontrar su propia definición.
La fotografía de Arquitectura es toda una fotografía artística, pues para poder plasmar en una foto todos los atributos de la estructura (edificio) se requiere de cierto conocimiento técnico y artístico que permita no solo mostrar si no también realzar sus cualidades. Se busca a través de un medio de dos dimensiones (la fotografía) plasmar un entorno de tres dimensiones (el edificio). Para lograr esto, forma parte muy importante el trabajar de cerca con el Arquitecto o el propietario. Con el Arquitecto debido a que es el creador de la estructura, sabiendo el porqué y como creo el diseño, su iluminación y sus influencias arquitectónicas. Con el propietario, en el caso que fuera éste quien comisionó al arquitecto a crear y construir la idea, es una parte fundamental del proceso de creación y aprobación final de la construcción. Y si es solo un inquilino, pues este al final hace las modificaciones a la estructura según su gusto o personalidad.
Es importante ver los planos arquitectónicos, tratando de plasmar fotográficamente dichos planos, para ver como la estructura se hizo realidad.
Lo artístico se añade en este caso al tratar, desde el punto de vista fotográfico, la iluminación del edificio (natural y/o artificial) y añadir una iluminación que defina en el medio bidimensional la estructura tridimensional del edificio sin cambiar el diseño de iluminación del arquitecto.
La fotografía de Interiores es también una fotografía artística, pero más orientada al aspecto comercial, con el motivo de presentar los interiores de las habitaciones y su decoración, con el fin de lograr su venta o alquiler. Se trabaja de cerca con los corredores de bienes raíces y con los mismos propietarios. También los hoteles y comercios de ventas por departamento son muy ávidos por este tipo de fotografía, pues les permite mostrar su producto y motivar a conocerlos. Al igual que la fotografía de Arquitectura, el aspecto artístico es muy importante ya que es necesario destacar las características del lugar, haciendo uso de luz creativa junto a la luz fija del lugar, siempre sin cambiar sus características, tal como fue diseñado.
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Desde hace mucho tiempo la fotografía de arquitectura ha sido importante para el género humano pues ha tenido el motivo de plasmar de una forma gráfica la belleza de las estructuras creadas por los arquitectos, su significado cultural, y que por esta vía puedan ser apreciadas por todos. Actualmente se le suma el hecho de poder comercializar dichas estructuras de una manera que permita apreciar mejor sus características.
Luego de Niepce, otros científicos interesados en el proceso fotográfico también tomaron fotos de Arquitectura, entre estos están el colega de Niepce y otro de los padres de la fotografía: Luis J. Daguerre, en Francia, y Henry Fox Talbot en Inglaterra.
Luego tenemos una serie de Fotógrafos que se dedicaron, a finales del siglo XIX y principios del XX a documentar grandes monumentos de la antigüedad y de su época, como son Francis Frith, Albert Levy, Samuel Bourne (primero en fotografiar el Taj Mahal) entre otros.
Imposible mencionar en este breve blog otros grandes fotógrafos que hicieron muchos aportes a la fotografía que documentaron la industrialización de los países y la destrucción de las dos grandes guerras.
Luego vino la fotografía de arquitectura que buscaba plasmar el mejor vivir que experimentaba la humanidad luego de la segunda guerra mundial. Sus principales representantes, y obligado estudio para los profesionales de fotografía de esta rama son, Ezra Stoller y Julius Shulman.
En la actualidad, en el apogeo de la era digital, sistemas de iluminación modernos y con la ayuda de software de edición fotográfica, tenemos también grandes fotógrafos que han llevado a la fotografía a niveles de arte, introduciendo la fotografía comercial como un medio para la venta de bienes inmuebles. Entre estos tenemos (pero no los únicos) Jeffrey Jacobs, Mike Buttler y Michael Kelley.
Copyright Jeffrey Jacobs Photography.
Cualquiera que sea la rama de la fotografía (retrato, bodas, de producto, arquitectura o interiores, etc.) cada uno de los factores anteriores debe aplicarse y reproducirse constantemente, foto a foto.
¿Qué beneficio nos aporta lo anterior? El más importante es que cuando compramos una foto, esta sea de nuestra entera satisfacción, que nos agrade y nos veamos bien, y en el caso de ser fotos con fines comerciales, que estas nos rindan el dividendo que esperamos, que es dar a conocer un producto, resaltar sus cualidades y motivar a su adquisición.
Más adelante iremos tratando varios de los factores mencionados, para que los reconozcamos y los sepamos evaluar en las fotos que decidamos comprar.
]]>No siempre es así, si lo que queremos es reanimarnos en un momento dado y seguir nuestro trabajo, seguramente nos detendremos a consumir uno negro de bajo costo. En algunas oficinas nos lo dan de gratis, pero generalmente no es el mejor. Lo que nos motiva a decidir es básicamente el precio y su efecto reanimador. Sin embargo, si queremos saborear un buen café, con aroma, cuerpo y adornado con los sabores que más nos gustan, seguramente buscaremos un establecimiento para tomarlo el cual nos ofrezca uno de las características que esperamos. Si, el criterio a decidir es definitivamente: la calidad. Sabemos que un precio mayor involucra mejor atención, calidad, garantía y satisfacción final.
Igualmente en el campo de la profesión fotográfica, hay una buena cantidad de fotógrafos ofreciendo servicios, sin embargo en este caso para los clientes es un poco más fácil decidir, el criterio: el precio. Se asume que todos ofrecen lo mismo.
Pues bien, en el campo de los servicios fotográficos que compramos, también las fotos que obtendremos tendrán el mismo resultado: si compramos servicios de bajo costo, no obtendremos la calidad que podríamos esperar, si no probablemente algo muy básico y poco artístico. Sin embargo al acceder a servicios fotográficos más especializados obtendremos la calidad que esperamos o incluso superarán nuestras expectativas.
Esto no depende del tipo de cámara que el fotógrafo posea, sino más bien de su formación, cultura, experiencia, dedicación y orientación al servicio. Lo cual conlleva a enriquecer el producto que ofrece y por lo tanto en una mejor satisfacción del cliente.
El cliente puede notar esto desde el momento que trata con el fotógrafo. Su imagen, su seguridad en el campo y su buena oferta de servicios seguramente le rendirán una mejor relación costo –beneficio, es decir unas mejores fotos.
En estos tiempos debemos de considerar que tengamos una buena inversión de lo que compramos y no sentir luego esa sensación de que no obtuvimos lo que queríamos. Aquí radica la importancia de la fotografía profesional. Justo como el buen café!
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